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Tráiler del film de animación
El mundo de Speed Racer
Por CINE365
COSMÓPOLIS Speed Racer está ambientada en la ciudad imaginaria de Cosmópolis. Es una metrópolis brillante y llena de colorido, una ciudad que bosteza en un mar de rascacielos, con letreros y anuncios luminosos que iluminan todos los edificios en el horizonte. En Cosmópolis, como en todo el mundo de Speed Racer, las carreras de coches no son sólo un deporte, son una forma de vida.
LIGA MUNDIAL DE CARRERAS DE COCHES (WRL, siglas en inglés) En el mundo de Speed Racer, el estilo de las carreras de coches es distinto a todo lo que conocemos. Los coches son obras altamente estilizadas en el arte de la automoción. Cada uno de los coches está diseñado para reflejar la personalidad de su piloto, con el resultado de una colorida e impresionante combinación de pinturas. Las carreras de coches son el deporte número uno en el mundo, y la Liga Mundial está a la vanguardia, efectuándose las retransmisiones por los medios de comunicación de todos los países y en todas las lenguas del mundo. Casi todos los coches y equipos están patrocinados por las grandes corporaciones. Estos coches no han sido fabricados solamente para alcanzar grandes velocidades sino también para llevar a cabo maniobras arriesgadas que desafían la gravedad en las carreras más increíbles que uno pueda imaginarse. Una carrera puede iniciarse con veinte coches, pero sólo unos pocos pilotos la terminarán.
LOS COCHES Los coches de carreras en el mundo de Speed Racer se conocen como T-180 y pueden alcanzar velocidades de más de 640 kilómetros por hora. Cada conductor utiliza coches de calle en su vida diaria y en las carreras en carretera, y coches de carreras y coches T-180 para competir en estadios y pistas. Los mejores pilotos de coches T-180 han de ser capaces de resistir más de 4 veces la fuerza de la gravedad en una carrera típica. Todos los coches de carreras están equipados con Espuma Kwiksave, que permite que los conductores se salven de los choques rebotando fuera de la pista sin resultar lesionados. ¡Y los pilotos vencedores celebran sus victorias con jarras de leche fría!
ESPUMA KWIKSAVE (Salva-rápido) Se trata de una medida de seguridad instalada en cada uno de los coches que consiste en una burbuja, dentro de la que está el piloto, que rebota fuera de la pista para salvarlo en caso de accidente.
LOS PERSONAJES DE SPEED RACER
SPEED RACER (Emile Hirsch) Nacido y criado en el mundo de las carreras, Speed Racer aprendió a conducir antes de que supiera andar. Actualmente es un piloto que promete y que sigue los pasos de su hermano mayor Rex, que fue quien le enseñó todo lo referente a la conducción, desde llevar calcetines rojos para tener suerte hasta cómo intuir una curva. Speed Racer sigue siendo uno de los pocos pilotos independientes de la Liga Mundial de Carreras de Coches – no tiene ningún patrocinador y compite en el equipo de su padre, Racer Motors.
EL MACH 5 El coche de calle de Speed Racer es el atronador Mach 5, que está trucado con botones pulsadores especialmente diseñados para proporcionar a su coche las siguientes ventajas:
• El botón A pone en funcionamiento un juego de gatos hidráulicos que mediante un salto pueden hacer que el coche salte lanzándolo por encima de cualquier obstáculo que bloquee su trayectoria. • El botón B sella el compartimento del piloto, creando una barrera a prueba de balas entre Speed y todo lo que pueda chocar contra él. • El botón C activa los protectores de los neumáticos para evitar que cualquier instrumento punzante ilegal pueda pinchar los neumáticos del Mach 5 y echarle de la carrera. • El botón D infla el neumático de repuesto de emergencia Hexa-Dyno rápidamente. • El botón E activa las hojas en forma de sierra con puntas de zirconio que están en la parte delantera del coche para poder cortar cualquier obstáculo. • El botón F saca unos crampones de los neumáticos que ayudan a que el Mach 5 maniobre en circunstancias peligrosas de la carretera. • El botón G lanza un aparato volador con control remoto capaz de transmitir imágenes de la UCAP desde y hasta cualquier punto.
TRIXIE (Christina Ricci) Trixie, la novia de Speed, es guapa pero dura. Se conocieron en el tercer curso de primaria y desde entonces han sido inseparables. Trixie, gran conductora por derecho propio, es la compañera de confianza de Speed en la pista y fuera de ella. A menudo le ayuda en sus movimientos de conducción defensiva mientras que vigila las carreras desde arriba con su helicóptero – el TRX rosa y negro.
POPS RACER (John Goodman) Pops, antiguo luchador y actualmente un genio de la mecánica, trabajó primeramente para uno de los más importantes grupos de empresas de carreras pero dejó este empleo para establecer su propia empresa independiente Racer Motors. Pops es quizá el mejor técnico de coches del planeta y diseña y construye todos los coches de Speed Racer incluyendo el Mach 5.
MAMÁ RACER (Susan Sarandon) Mamá Racer, matriarca de la familia Racer, es cariñosa, tierna y optimista. Frecuentemente es la voz de la razón en la familia, confiando en el criterio de su hijo y equilibrando el espíritu temperamental de Pops. También es famosa por las increíbles tortas caseras que hace.
SPARKY (Kick Gurry) Sparky, as de la mecánica de Racer Motors y amigo de confianza de la familia, es el brazo derecho de Pop y asesor durante las carreras de Speed durante las carreras, con quien permanece en contacto constante por radio con los auriculares.
SPRITLE (Paulie Litt) Spritle es el travieso hermano de 10 años de Speed que le adora de la misma forma que Speed adoraba a Rex cuando era niño, y es una enciclopedia andante sobre los coches y las carreras, capaz de enumerar estadísticas a la velocidad de la luz. Spritle y su inseparable mascota Chim-Chim están constantemente haciendo travesuras pero apoyan con todas sus fuerzas a su héroe Speed.
CHIM-CHIM (Willie) Chim-Chim es el mejor amigo de Spritle y está siempre listo con algún tejemaneje cuando surge la necesidad. Siempre va con Spritle, incluso a sitios donde no deberían ir… como al maletero del coche de Speed.
REX RACER Rex Racer, el talentoso y a menudo polémico hermano de Speed, establece el record de pista en el circuito Thunderhead al volante del Mach 4, pero abandona el equipo de su familia para competir con otros equipos en el circuito de la WRL. Pero unos diez años antes de que Speed alcance su propia gloria al volante, Rex muere en un accidente durante el rally Casa Cristo 5000 al no activarse su Espuma Kwiksave.
RACER X (Matthew Fox) Racer X, figura misteriosa y enmascarada del mundo de las carreras de coches, mantiene oculta su identidad ya que trabaja secretamente en el circuito intentando poner al descubierto la corrupción del mundo de las carreras y efectuar una limpieza en este deporte. Pero muchos misterios rodean a este sigiloso piloto que a veces es conocido como el Pájaro de Mal Agüero, el Piloto Maléfico o el Piloto Enmascarado. ¿Quién es él? ¿De qué lado está?
TAEJO TOGOKAHN (Ji Hoon Jung, popularmente conocido como Rain) Taejo es el hijo de Tetsua Togokahn, propietario de Togokahn Motors, y capitán del equipo de carreras. Aunque compite contra Speed en el Fuji Helexicon, Taejo le hace una proposición estratégica para que forme parte del equipo del legendario rally por carretera Casa Cristo, que es tan emocionante como peligroso.
SNAKE OILER (Christian Oliver) Snake Oiler, como capitán del equipo de carreras Hydra-Cell, se introduce fácilmente en la competición para ganar el rally por carretera Casa Cristo 5000. Con dientes de cobra incorporados en el morro de su coche de carreras, esta serpiente es un contrincante con mala pinta.
JACK “CANNONBALL” TAYLOR (Ralph Herforth) Cannonball Taylor es uno de los pilotos más célebres y con más éxito del equipo de Royalton Racecars y uno de los rivales de Speed. El coche de carreras T-180 de Cannonball es el GRX, provisto de un Transpondedor Interior Positivo sobrealimentado que puede alcanzar velocidades de más de 800 kilómetros por hora. Cannonball Taylor está considerado como uno de los mejores pilotos al volante de un coche en una pista de carreras.
GRAY GHOST (Moritz Bleibtreu) Gray Ghost (Fantasma Gris) se ganó su apodo por su movimiento de firma: oscilando hacia dentro y hacia fuera de la línea de visión de sus competidores. Gray Ghost, uno de los pocos pilotos imparciales y sin afiliar del circuito, ve a Speed como un competidor digno cuando ambos compiten en el Fuji Helexicon y en el Grand Prix.
BEN BURNS (Richard Roundtree) Ben, una estrella de las carreras de hace mucho tiempo, ofrece a Speed sus conocimientos y su orientación, enseñándole en base a los errores que cometió durante sus días de gloria en la pista.
PRINCE KABALA (Ashley Walters) Prince Kabala, contra el que Speed debe competir en el Grand Prix, conduce un T-180 con incrustaciones de piedras preciosas cuyo valor se estima en 22 millones de dólares.
DELILA (Jana Pallaska) Delila, líder del equipo de los Flying Foxes Freight, tiene escondido en el tapacubos de su coche un instrumento para pinchar los neumáticos de sus contrincantes.
DENISEMOBILE (Ludmilla Ismailow) Denisemobile, patrocinada por Iodyne Industries, tiene un coche de color rosa intenso con lunares blancos y compite con Speed en el Grand Prix.
NITRO VENDERHOSS (Joe Mazza) Nitro Venderhoss forma parte del equipo Ekpyrosis y es un formidable competidor contra Speed en el Grand Prix.
EQUIPOS
EQUIPO RACER MOTORS Racer Motors, organización independiente sin ninguna corporación que la patrocine, es una empresa familiar desde los pilotos hasta los mecánicos, que se reúnen a menudo en el domicilio de Racer para probar las tortas caseras. Este equipo, liderado por el experimentado piloto Speed Racer, tuvo antes otra estrella de las carreras… el controvertido Rex Racer, que estableció el record en el circuito Thunderhead.
ROYALTON RACECARS La empresa Royalton Industries, patrocinadora de carreras de coches de renombre internacional, está dirigida por E.P. Arnold Royalton. Una de sus 140 sociedades es una fábrica del T-180 que presume de una planta de fabricación de coches verticalmente integrada en la que los trabajadores y las máquinas pueden construir un T-180 desde el enlace inicial de carbono hasta su acabado final en treinta y seis horas. El piloto estrella de Royalton es Jack “Cannonball” Taylor, dos veces ganador del Grand Prix y cinco veces campeón de la WRL.
EQUIPO TOGOKAHN MOTORS RACING Dirigido por Taejo Togokahn, este equipo “comodín” cuenta con la joven y prometedora estrella Speed Racer y con el Misterioso Racer X para el traicionero rally Casa Cristo 5000.
EQUIPO HYDRA-CELL Dirigido por el infame Snake Oiler, este equipo es conocido porque siempre saca ases... o serpientes… de su manga.
EQUIPO FLYING FOXES FREIGHT Este equipo súper astuto y súper listo está dirigido por la conductora estrella Delila, conocida por sus peligrosos instrumentos cortantes acechando a los pilotos que se acercan demasiado a su coche.
EQUIPO YEN-CHE Los coches del equipo Yen-Che, con movimientos dinámicos y una imparable energía, tienen un botón secreto que hace que uno de sus neumáticos delanteros explote junto a un contrincante.
THOR-AXINE, INC Estos pilotos del norte conducen coches con forma de martillos Norse. Los coches de Thor-Axine, Inc. tienen martillos que salen de debajo de los mismos y que se utilizan para lanzar colmenas llenas de furiosas abejas contra sus contrincantes.
FIGURAS DEL MUNDO DE LAS CARRERAS DE COCHES
SR. MUSHA (Hiroyuki Sanada) Propietario de Musha Motors, el Sr. Musha trabaja conjuntamente con Royalton, en un intento de hacerse con Togokahn Motors, mediante un acuerdo secreto.
E.P. ARNOLD ROYALTON Presidente y Director General de Royalton Industries, un gran conglomerado de sociedades en el que figura Royalton Racecars, que maneja el equipo más poderoso y con más éxito del circuito. Está acostumbrado a ganar, sin importarle el coste ni las normas a infringir para conseguirlo.
INSPECTOR DETECTOR (Benno Fürmann) El Inspector Detector trabaja con Racer X para investigar la corrupción en el mundo de las carreras de coches.
HOROKU TOGOKAHN (Nan Yu) La bella y elegante Horuko Togokahn, hermana de Taejo, es muy leal a su familia, aunque no siempre está de acuerdo con los métodos que su padre y hermano utilizan para triunfar.
CRUNCHER BLOCK (John Benfield) Cruncher Block es el tramposo organizador de carreras de Royalton. Cruncher que amaña contratos para eliminar a pilotos de las competiciones o que utiliza corredores con tácticas agresivas para obligarles a abandonar las carreras.
LAS CARRERAS
CIRCUITO DE CARRERAS THUNDERHEAD Thunderhead Raceway es la pista del barrio de Speed Racer, llena de increíbles peraltes, recodos y curvas. Rex Racer continúa ostentando el record en esta pista, en la que compitió con su Mach 4.
FUJI HELEXICON Fuji Helexicon es una importante pista en el circuito WRL, construida en lo alto de un archipiélago tropical desde donde se domina un maravilloso paisaje marítimo. Esta emocionante pista serpentea en un entorno tropical con recodos y curvas que desafían la gravedad.
RALLY POR CARRETERA CASA CRISTO El rally por carretera Casa Cristo abarca dos continentes, tres zonas climáticas y 5.000 kilómetros de las más curvilíneas y traidoras carreteras que ha utilizado para carreras, desde los arcos y las columnas del Muqranna hasta los acantilados de Casa Cristo, el desierto Zunubiano y las cuevas de hielo Maltesas. Aunque la WRL ha hecho un esfuerzo por limpiar el recorrido del rally, las trampas camufladas para los conductores, que incluyen lanzas, instrumentos cortantes para los neumáticos y baterías de refuerzo, hacen que Casa Cristo sea una prueba de resistencia tan brutal que ha recibido el sobrenombre de “Crisol”… pero el que primero cruza la línea de meta gana automáticamente una invitación para el prestigioso Grand Prix.
GRAND PRIX Incorporado en el corazón de Cosmópolis, el Grand Prix es la más imponente cúspide del deporte, la carrera final que discurre por el fantástico circuito con la mayor altura, jamás concebida, con bajadas que desafían a la muerte, trazados con forma de trébol y sorprendentes lazos. Esta carrera es tan renombrada que se anuncia en todo el mundo y se retransmite por las ondas en más de 80 idiomas.
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Notas del director
El mundo laboral y empresarial evoluciona cada vez más rápidamente creando condiciones y relaciones más intensas desde el punto de vista social y a la vez creando tensiones cada vez más difíciles de soportar. A estas mismas tensiones se ven sometidos los personajes que forman el paisaje humano de este film. Personajes que empiezan o que acaban un recorrido iniciático que les llevará a encontrarse con un reflejo muchas veces deformado de una realidad, su propia realidad, la misma que el protagonista intenta controlar pero a la que acabará siendo sometido.
Hoy en día la necesidad de que el cineasta adopte un punto de vista sobre la realidad que filma no debe entenderse como obligación de emitir un juicio a priori, sino como la elección acertada y rigurosa de un lugar desde el que filmar esa realidad. Enfrentado a su argumento, el cineasta debe elegir, ante todo, el sitio en el que va a colocarse, desde donde va a filmar. Esto sucede así en Casual Day, una película, en la que el espectador puede entrar para encontrar su lugar en el mundo, aunque, quizá el mundo que refleje, esté muy lejos del suyo. Es una película muy pegada a los personajes, cuya idea central gira en torno a conformarse o no, con la vida que nos ha tocado llevar.
Casual Day, es una película coral que discurre prácticamente en tiempo real, en un sólo día, y en unos pocos decorados naturales. Esto, aunque pueda parecer a priori una dificultad añadida es a efectos cinematográficos una gran oportunidad de concreción y libertad creativa.
Casual Day, trata de las relaciones de poder en la empresa, de la amistad, la dignidad y el amor en los tiempos del gran auge tecnológico. Habla indirectamente de la voracidad laboral, de la búsqueda de valores, de la perdida de éstos, de la hipocresía, de la defensa de un estilo de vida y de la imposición de ese mismo estilo de vida. Y en cierta forma de la pasividad del individuo moderno para enfrentarse y conformarse con una vida que no soñaba tener. Es una película intimista pero audaz e universal. Con un guión brillante -de unos novísimos guionistas- y un elenco de actores de primera categoría.
Matrimonio forzoso
La popular expresión “lo que pasa en Las Vegas no sale de Las Vegas” trae a la memoria una auténtica riada de inhibiciones de las que uno se ha deshecho, de lujo insensato y de estimulante disipación. Y quien pueda recordar algo de todo ello, es muy probable que no haya estado allí. Pero, ¿qué ocurriría si unos pocos momentos de locura -¡Bueno! ¡De borrachera desbocada!- en la ciudad del pecado no sólo “salieran de allí” sino que le persiguiesen hasta su misma casa y le amenazaran con poner toda su vida patas arriba? Pues ése es el tinglado que hace explosión provocando una serie de estrafalarias consecuencias para dos desconocidos, tan atractivos como sumamente desiguales, en la comedia Algo pasa en Las Vegas.
Según Dana Fox, “Algo pasa en Las Vegas era en realidad una mezcla de varias ideas de películas en las que habíamos estado trabajando”. “Estoy verdaderamente interesada en relatos que cuenten cómo se halla el amor o cómo se conoce a alguien a través de la disfunción o la adversidad. Primero se me ocurrió un relato sobre dos personas que, de forma extraña, se conocen mientras se divorcian. Por esa época, no dejaba de oír la frase ‘lo que pasa en Las Vegas no sale de Las Vegas’ y pensé que sería un excelente título para una película, si es que alguien no se nos había adelantado. “Entonces, sin que nadie se lo espere, Britney Spears va y se casa en Las Vegas. Y es como… sí; una de las cosas que pueden hacerse en Las Vegas es casarse porque te dé un antojo; a veces, con un completo desconocido. Naturalmente, lo otro que puede hacerse allí es ganar un montón de dinero. Y entonces, me vino la idea: ¿qué pasaría si esas cosas ocurrieran en la misma noche?”. Y así, salió a la luz Algo pasa en Las Vegas. Cameron Díaz piensa que el título de la película evoca una situación francamente intensa. “Las Vegas es una ciudad abierta las veinticuatro horas”, dice, “uno no sabe qué hora es, cuánto dinero ha gastado, cuánto ha bebido, cuánto ha dormido y así sucesivamente. Sin embargo, lleva incorporada una especie de red de seguridad: como todo es posible en Las Vegas, uno tiene permiso para hacer ahí, básicamente, cualquier cosa que probablemente jamás haría en ningún otro lugar ni en ningún otro momento de su vida”. “A decir verdad es como un pase gratuito que te permite mostrar tu lado más desenfrenado, más loco y más divertido”, declara Ashton Kutcher, “porque se supone que nadie descubrirá jamás lo que uno hace allí”.
¿Quién demonios es Antonio Banderas?
Desde que desembarcara en el cine estadounidense con la aclamada cinta Los reyes del Mambo tocan canciones de amor, lleva años impresionando a la crítica y al público y es irrefutablemente uno de los principales actores de su generación. Recibió muy buenas críticas y fue nominado a un Globo de Oro al Mejor Actor por su interpretación y el talento vocal que demostró al dar vida al 'Che' en la adaptación cinematográfica del musical Evita, junto con Madonna. Volvió a ser nominado a otro Globo de Oro por su papel como el personaje principal de La máscara del Zorro con Anthony Hopkins y Catherine Zeta Jones; retomó el papel en La leyenda del Zorro.
Banderas fue la revelación de la película de animación que arrasó en taquilla en 2004 Shrek 2, en la que daba vida al ‘Gato con botas’; interpretó de nuevo al personaje en Shrek 3. Recientemente trabajó en Déjate llevar, basada en una historia real sobre un profesor de baile que enseñó a bailar a un grupo de estudiantes conflictivos de una escuela pública de Nueva York. Ha participado también en Ciudad del silencio (Bordertown) de Gregory Nava con Jennifer Lopez. Banderas debutó como director con Locos en Alabama, interpretada por Melanie Griffith y recientemente dirigió su segundo largo, El Camino de Los Ingleses, una producción española. En 2003, fue nominado a un premio Tony al Mejor Actor en un Musical por su debut en Broadway en la producción del Roundabout Theater Company de Nine, un musical inspirado en Ocho y medio de Fellini. También recibió premios al Mejor Actor como el premio Drama Desk, el premio Outer Critics Circle, el premio Drama League y el premio Theatre World. El reparto de Nine, dirigido por David Leveaux, estaba compuesto por Chita Rivera, Laura Benanti, Jane Krakowski y Mary Stuart Masterson.
Banderas también participó en dos películas de Robert Rodriguez en 2003: la secuela de Desperado, El Mejicano (Once Upon a Time in Mexico), con Johnny Depp y Salma Hayek, y Spy Kids 3: Game over. En 2004 fue nominado a un Globo de Oro al Mejor Actor en una película para televisión por su papel como Pancho Villa en And Starring Pancho Villa as Himself de la HBO estrenada en otoño de 2003.
El currículum de Banderas incluye películas tan aclamadas como Filadelfia, La casa de los espíritus, Entrevista con el vampiro, y Miami. Obtuvo su primer papel protagonista en una película estadounidense en Desperado de 1995. Ha trabajado también en Nunca hables con extraños, Asesinos, Four Rooms, Two Much, El guerrero número 13, Jugando a tope, Pecado Original, Ballistic, Femme Fatale de Brian de Palma, Spy Kids y Spy Kids 2: La isla de los sueños perdidos, entre otras.
Nació en Málaga y estudió en la Escuela de Arte Dramático de su ciudad. Tras licenciarse comenzó su carrera interpretativa trabajando en una pequeña compañía de teatro local. Se trasladó a Madrid y fue un importante miembro del famoso Teatro Nacional de España.
En 1982, el director y guionista Pedro Almodóvar escogió a Banderas para Laberinto de pasiones, que fue la primera de cinco películas que Banderas realizaría con Almodóvar: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios y Átame. El éxito internacional de estas películas le permitió introducirse en Hollywood, aunque cuando debutó en EEUU con Los reyes del Mambo tocan canciones de amor en 1992, no hablaba inglés y tuvo que aprenderse todo el diálogo fonéticamente.
Marvel: el paraíso de la imaginación
Con un catálogo de más de 5.000 personajes, Marvel Entertainment, Inc. es una de las compañías punteras de entretenimiento del mundo basada en personajes. Las operaciones de Marvel se centran en utilizar sus franquicias de personajes en licencias, entretenimiento, publicaciones y juguetes. Las áreas de más énfasis de Marvel Entertainment incluyen los largometrajes cinematográficos, producciones directas a vídeo/DVD, productos de consumo, videojuegos, muñecos y juguetes de rol, televisión y promociones. Afianzado en el éxito creativo de más de 60 años de publicaciones de cómics, Marvel ha logrado transformar con éxito los personajes de bandera de sus cómics en franquicias cinematográficas de gran éxito de taquilla. El renacimiento de Marvel Studios en Hollywood no puede calificarse de menos que espectacular, con franquicias que han pulverizado récords de taquilla, como “Spider-Man”, “X-Men” y “Los 4 Fantásticos”, que han dado como resultado una sucesión de ocho estrenos consecutivos en el primer puesto de la taquilla. Desde 1998, las películas de Marvel han recaudado más de 4.900 millones de dólares en la taquilla mundial, lo que le ha permitido establecerse con firmeza como una de las principales marcas de entretenimiento de Hollywood.
Política y amor
Definitivamente, quizá nació hace unos años, cuando el director y guionista Adam Brooks decidió escribir una historia de amor que transcurría durante más de una década. “Recuerdo que antes se estilaban películas cuya historia se desarrollaba durante varios años”, dice el realizador. “Me gustaban mucho porque permitían al guionista profundizar en los personajes”. Adam Brooks pensó en una comedia romántica basada, para cambiar, en un protagonista masculino y, para complicarla aún más, ambientada en el mundo de la política. “Me gustan las comedias románticas con un telón de fondo más amplío que la propia historia de amor, películas como Al filo de la noticia, por ejemplo”, añade el guionista y director. “Siempre había querido escribir una historia acerca de un joven que llega a la gran ciudad lleno de esperanzas y de sueños”.
El protagonista del guión, Will Hayes, está a punto de divorciarse y revive su pasado, cuando era un aspirante a político, mientras intenta explicarle a su hija de diez años por qué se casó con la mujer de la que se separa, su madre. Como guionista, Adam Brooks había trabajado en varias ocasiones con Working Title Films, entre las que destacaremos Bridget Jones: sobreviviré, Wimbledon y French Kiss. Esta vez, la productora no sólo le pidió que fuera el guionista, sino el director de la película. Todos estaban de acuerdo en que no seguiría las reglas y las fórmulas del género. “Son mi hogar cinematográfico”, dice el realizador. “Me dan rienda suelta a la hora de escribir, confían en mí. Además, cuando se empieza a desarrollar una película con Working Title hay grandes probabilidades de que se acabe produciendo”. La productora, dirigida por Eric Fellner y Tim Bevan, tiene en su haber películas de la talla de Expiación, United 93, Las vacaciones de Mr. Bean, Love Actually, La intérprete, Notting Hill y O Brother, y colabora habitualmente con talentos como Richard Curtis, Hugh Grant, Cate Blanchett, Keira Knightley, los hermanos Coen, Colin Firth, Rowan Atkinson y Emma Thompson, entre otros.
Los dos productores siempre han considerado que es importante ofrecer a los cineastas, tal como lo resume Eric Fellner, “los recursos de un estudio con la actitud de una productora independiente”. El último proyecto de Adam Brooks no ha sido una excepción. “Cuando se encuentra a guionistas, directores y actores de talento, y se trabaja con ellos regularmente”, explica el productor, “es como escribir taquigrafía, gracias a la confianza mutua que acaba existiendo”. Los personajes de Definitivamente, quizá gustaron a los productores, así como la idea de que no trataba simplemente de dos personas que se enamoran y deben superar los obstáculos que les impiden estar juntos. “Me gustó la idea de construir una película alrededor de varias relaciones en vez de una”, reconoce Eric Fellner. Liza Chasin, de Working Title, que se ha ocupado de la producción ejecutiva de películas como Orgullo y prejuicio y Bridget Jones: sobreviviré, ya había coincidido en ocho proyectos con Adam Brooks. Explica que la decisión de que Adam Brooks dirigiera la película vino casi sola: “Es una progresión natural, debía dirigir su próximo guión con nosotros”. Eric Fellner está de acuerdo en que Adam Brooks era el candidato ideal para dirigir Definitivamente, quizá, después de dos trabajos anteriores como director: Almost You, con Griffin Dunne y Brooke Adams, y El circo invisible/The Invisible Circus, con Cameron Diaz. “Tuvo la idea, escribió la historia, conoce la película”, dice el productor. “Nos gustó la idea de darle esta oportunidad”. El papel más crítico era el del protagonista, el aspirante a político Will Hayes. Sin embargo, el actor Ryan Reynolds había dejado impresionados a los productores con su encarnación del agente del FBI Richard Messner en el thriller de acción Ases calientes, también producida por Working Title. Hablaron con Adam Brooks para que le hiciera una prueba. “Ryan no tiene problemas con la comedia o con el drama”, dice Eric Fellner. “Acabábamos de terminar Ases calientes, y todos pensábamos que era una auténtica estrella”. Cuando Adam Brooks conoció al actor, le sorprendió la forma en que veía el papel. “Una de las primeras cosas que me dijo fue: ‘Es como un papel para Jimmy Stewart’”, recuerda el director. “Era exactamente lo que yo pensaba. También me di cuenta de que cae bien a todo el mundo, una cualidad que pocas personas poseen”.
La versatilidad de Ryan Reynolds también tuvo mucho que ver para que consiguiera el papel. “Creo que Ryan tiene la rara habilidad de ser totalmente convincente en el mundo que crea como actor, y no pierde su impecable vena cómica”, dice el director. Mientras cuenta la historia de su complicada vida sentimental a su hija, Will cambia los nombres de los tres grandes amores de su vida para que la precoz Maya no sepa con quién se casó, ni de quién está a punto de divorciarse, hasta que termine la historia. En opinión del actor, su papel en Definitivamente, quizá estaba muy alejado de lo que había hecho en Marchando y Sólo amigos. “Siempre me pareció una película romántica de misterio”, dice. “En la mayoría de comedias románticas, ya se sabe el final a partir de la segunda página. En esta, no tenía ni idea de cómo se resolvería hasta que llegué a la última página”. Ryan Reynolds ve a Will como un hombre que ha tenido múltiples influencias: su hija, los tres grandes amores de su vida y, cómo no, Nueva York. Después de que el candidato demócrata al que apoya gana las elecciones, Will abre una asesoría política con su mejor amigo Russell (Derek Luke). Otra influencia crucial para Will fue Bill Clinton, al que consideraba un auténtico héroe, explica el actor: “Era su JFK, su presidente, estaba convencido de que haría algo”. Pero cuando estalla el escándalo en 1998, Will ya está muy desilusionado con la política y con la trayectoria de su vida. Se hace preguntas como: “¿Quién es realmente el hombre al que apoyo?” “¿Por qué escogí este campo?”. El actor Ryan Reynolds dice: “Cuando vemos a alguien como a un salvador, y esa persona se derrumba, descubrimos que es un ser humano... como nosotros”.
Conversación con Jacques Rivette y Pascal Bonitzer
Martine Marignac: ¿Cómo enfocó la adaptación de la novela corta La Duquesa de Langeais de Honoré de Balzac? Jacques Rivette: Nuestra primera decisión fue ser fieles no solo al espíritu de la obra sino al texto también. Lo que sucede entre la Duquesa de Langeais y el general Armand de Montriveau ilustra los errores de un pequeño grupo del barrio de Sant Germain de París en un momento concreto, la Restauración. Des del principio, decidimos acercarnos el máximo posible al contexto de la historia. Pascal Bonitzer: Sí, mantenerse fiel a Balzac, a diferencia del guión de Giraudoux para la película de Jacques de Baroncelli (realizado en 1941, protagonizada por Edwige Feuillère y Pierre-Richard Willm) y que al final resultó ser una historia totalmente distinta a la que Balzac había escrito.
M.M.: Hay que decir que ninguno de los argumentos de la Duquesa para rechazar a Armand puede ser sacado de su contexto político y adaptarse a los tiempos modernos. J.R.: Cierto. Desde muy al principio, nuestro objetivo, aunque pueda sonar fantasioso, fue trasladar la escritura de Balzac a la gramática de la película. Su escritura juega con fuerzas contradictorias que generan una especie de sistema de explosiones. Largas frases intercaladas entre paréntesis, sorprendentes cambios de velocidad, un modo de contar las cosas casi dejando fuera las más importantes. Es por esto que Balzac tiene que leerse palabra por palabra. Está escrito en tres dimensiones.
M.M.: A pesar de que la adaptación es fiel al texto de Balzac, ha sido necesario añadir diálogo a escenas que no lo tenían en la narración original. P.B.: En realidad, no hay muchos. Lo único que hemos añadido - y la idea proviene de Christine Laurent - es la pequeña escena en la habitación de los sirvientes. En el libro, los sirvientes probablemente tienen mucho que decir pero mantienen silencio. Todo lo demás – las conversaciones en la cena entre Montriveau y sus amigos, por ejemplo - se ha tomado de otros textos de Balzac que escribió alrededor del mismo período. Él los llamó "la fisiología" ya que trataban de las costumbres y los clichés de la época.
MM: Unas palabras acerca de Jeanne Balibar y Guillaume Depardieu ... JR: Hemos roto con la práctica habitual de buscar actores principales y se ha escrito el proyecto para Jeanne y Guillaume, cuando todavía no teníamos fondos. Quisimos hacer una película alrededor de ellos. Después de analizar el conjunto de la literatura occidental, un vez más dimos con Balzac, con la única condición de ser respetuosos con su historia.
M.M.: ¿Y el título originario, Ne touchez pas la hache? JR: Sí en realidad, ese fue el título de la narración original. No fue hasta diez años después que Balzac lo cambió por La Duquesa de Langeais para incluirlo en su colección Comédie Humaine, en la que esta historia es la pieza central de la triología Treize, entre Ferragus y La Fille Aux Yeux d'Or. P.B.: La trilogía trata de una sociedad secreta llamada Treize, pero en una forma elíptica. Ellos no están nunca en primer plano, lo cual es muy apropiado para una sociedad secreta. De vez en cuando, salen de la clandestinidad para llevar a cabo algún acto imprudente de glorioso coraje y a veces, llegan demasiado tarde, como en La Fille Aux Yeux d'Or. La noción de ser "demasiado tarde" hace referencia a “No tocar el hacha”. La noción del tiempo es un elemento esencial en la historia.
M.M: Usted ha mencionado permanecer fiel a la escritura de Balzac. Sus oraciones son similares porque son muy largas, una de sus marcas como un cineasta. J.R.: Es increíble pensar que tuve grandes dificultades para leer a Balzac. Lo intenté durante más de treinta años sin ir a ninguna parte. A principios de los años 50, Rohmer me dijo, "Si quieres hacer películas, hay dos escritores que debes leer, Balzac y Dostoievski." Llegué a Dostoievski muy tarde y a Balzac, le "descubrí" una noche que no podía dormir, y me crucé con Une ténébreuse affaire. Esta novela me convirtió y me abrió la cerradura al resto de su obra.
M.M.: Los elementos sucesivos son una de las cosas fascinantes en la obra de Balzac. J.R.: Se trata de un desarrollo muy gradual. Él utilizó por primera vez elementos de las historias anteriores cuando escribió Le Père Goriot. De acuerdo con la leyenda, en aquella época, escribió una carta a su hermana exclamando, "Amiga mía, ¡me estoy convirtiendo en un genio!" Independientemente de la anécdota sea cierta o no, ¡lo que dice es cierto! Durante el rodaje, yo era particularmente consciente de la elíptica y la naturaleza brutal de nuestro trabajo. Lo que estábamos tratando de hacer con este texto no era una adaptación y mucho menos una ilustración. Era, si se me permite decirlo así, una "compresión". Como una de esas esculturas de César Baldaccini (escultor francés, 1921-98).
Tres actores de casta
(1) Keanu Reeves “Es usted la punta de la lanza, hombre. ¿Quién contendrá a los animales?” -Capitán Jack Wander
Gracias al éxito de películas como Speed y la trilogía de Matrix, Keanu Reeves se ha convertido en uno de los actores más populares y representativos de su generación. Sus películas han dejado una huella imborrable en el panorama de la industria cinematográfica y su cara es una de las que más fácilmente se reconocen en el mundo. En Dueños de la calle, Reeves y su representante/productor Erwin Stoff vieron una oportunidad de abordar un papel complejo mediante una interpretación personal y completamente formada. “Después de haber leído el guión por primera vez, pensé que este papel sería una oportunidad irrepetiblemente fantástica para Keanu como actor”, recuerda el productor Erwin Stoff. “No es el tipo de actor que quiere que se le adjudiquen expectativas sobre el tipo de papel que debería aceptar y ése ha sido el sello distintivo de su carrera”. “Me sentí intrigado por el nivel de violencia que rodea al personaje y las dramáticas consecuencias que ello tiene”, explica Keanu Reeves. “Puede considerársele como a alguien que mata en nombre de la ley o como a alguien que imparte justicia. Desde el punto de vista dramático hay un gran precio que pagar y me interesaba la forma como quedaría todo interpretado”.
Para ayudar a que Reeves brindase una actuación sincera y verídica, David Ayer trató de crear un mundo impregnado de verdad y valor rodeando al actor con abundante realismo físico del que pudiera extraer algo. Se le sumergió en la cultura de Los Ángeles y en alguna de las zonas más retadoras de la ciudad. “Lo que de verdad me resultaba emocionante era la idea de que Keanu Reeves se introdujera en el ghetto y diese vida a un personaje muy real que formara parte del ambiente mediante una interpretación intensa y matizada”, explica David Ayer. “En esta película no lucha contra extraterrestres ni robots, se enfrenta a violadores en cuadrilla, a agentes de policía y a la corrupción policial, por lo que queríamos que llegase al extremo de sentirse parte de ese mundo a fin de obtener una interpretación psicológicamente realista. Fue increíble”. Tom Ludlow es un hombre que se enfrenta a muchos demonios, tanto en el mundo real como en su propio interior. Es un agente de policía entregado a su trabajo que entra en contacto con los elementos más siniestros de la sociedad cuando todavía no se ha recuperado de la pérdida de su esposa. La profundidad del personaje brindó a Reeves la oportunidad de meterse en la piel de alguien muy distinto a él. “El personaje de Tom Ludlow es una interesante máscara para que Keanu se la ponga”, explica Foster. “En la vida real, Keanu es un pacifista de cuerpo entero, nosotros le pedimos que interpretara a un ser humano muy siniestro, y ver cómo se ponía a la altura del reto ha sido asombroso”. “Yo soy actor y todo esto es de mentira, pero imaginar este mundo sumido en la violencia puede resultar embriagador”, observa Reeves. “La violencia es una fuerza elemental y al interpretarla se tiene una extraña ilusión de control. Ludlow va repartiendo golpes y empleando la violencia para llegar a la verdad, pero como alguien dice en la película, ‘la sangre no se lava con sangre’. Al final, la violencia no cambia nada”.
(2) Forest Whitaker “Salga de caza. Disfrute. Haga lo que sea. Pero no los traiga aquí. Hágalo a la antigua y resuélvalo ahí fuera. King lo tacha”. -Capitán Jack Wander
El capitán Jack Wander es un personaje que desborda la realidad y que paulatinamente ha acumulado mucho poder en las filas del Cuerpo de Policía de Los Ángeles. Se le conoce como un hombre que logra resultados y su unidad tiene un historial acreditado que lo demuestra. Manda a sus hombres con feroz confianza y ofrece a sus seguidores una intensa psicología.
Dentro de su unidad existe una hermandad palpable en la que sus hombres encuentran una lealtad inquebrantable, protección y una sensación de pertenecer a una familia. Aunque “Ad Vice” rebasa a sabiendas los límites de la ley para hacer su trabajo, los hombres tienen una devoción a toda prueba por su jefe, a quien se refieren cariñosamente como “El Rey Wander”. “Al desarrollar estos personajes, siempre concebí a Wander como al padre de una familia disfuncional”, explica David Ayer. “En las familias disfuncionales, la realidad se recibe a menudo de manos del padre, quien te dice cuán horrible es el mundo de fuera de casa pero que dentro de ella hay amor. Les hace creer que lo que están haciendo es por su propio bien y utiliza esa especie de psicología grosera”. Para interpretar el papel de Jack Wander, los realizadores necesitaban a un actor con fuerza que le diera cuerpo a este hombre intenso y carismático que es capaz de llevar a sus hombres al peligro con imperturbable dedicación. Sus deseos se hicieron realidad en el actor galardonado con un Premio de la Academia Forest Whitaker, que se sintió atraído por la fortaleza y la inquebrantable confianza del personaje. “Para mí, Wander es un tipo que trata de cuidar de lo que él considera su familia”, explica Forest Whitaker. “Vive según un código y se siente justificado en su adquisición de poder”. En la película, Wander es un capitán del Cuerpo de Policía de Los Ángeles destinado en una unidad especializada y que lleva camino de convertirse en comandante. La trayectoria de su carrera parece imparable y sueña con llegar hasta la cumbre. Cuando el capitán Biggs, de Asuntos Internos, comienza a husmear haciendo preguntas sobre el protocolo y los métodos empleados dentro del departamento de Wander, Ludlow transige para proteger a su mentor y a su familia contra cualquiera que los amenace. Wander le mira a la cara a las tinieblas y se enfrenta con las atroces verdades de la sociedad, aunque trabaje fuera de los límites de la ley. Cuando Ludlow comienza a investigar el asesinato de su antiguo compañero, el detective Terrence Washington, empieza a descubrir corrupción dentro del cuerpo y a mirar con otros ojos a Wander y a quienes consideraba sus hermanos. Whitaker sostiene que “después de ver el rostro de las tinieblas, unido al fallecimiento de su esposa, creo que Ludlow ha estado agarrotado durante un tiempo. Cuando se ve involucrado en el asesinato de Washington, realmente comienza a investigar su propia vida, que está entrelazada con la mía, y tengo que asegurarme de que se mantenga fuerte para que mi mundo no se desmorone”. Los métodos de Wander para lograr su versión de la justicia son implacables y Ludlow actúa como su esbirro personal e hijo predilecto. “Ludlow”, observa Whitaker, “es el miembro de la familia al que Wander está más próximo, y si él cae, se derrumba todo el castillo de naipes”. En su ilustre carrera, Forest Whitaker ha interpretado a numerosos policías tanto en la pequeña como en la gran pantalla, y se incorporó al proyecto con un amplio bagaje de conocimientos sobre el funcionamiento interno de los cuerpos de policía. Para este material, Whitaker también recurre a sus propias experiencias cuando se criaba en las calles de Los Ángeles. “Interpreté a un policía en ‘The Shield: Al Margen de la Ley’ durante un año, he acompañado a los agentes muchas veces en sus coches y he recibido una amplia formación en armas, por lo que esa parte del estudio la tengo cubierta. En mi experiencia personal, habiendo crecido en Los Ángeles, conozco a los policías desde el otro lado. Sé cómo tiran a la gente al suelo y los deslumbran con sus luces porque los he tratado. Sé lo que te dicen cuando te detienen, por lo que probablemente mi estudio supera al de la mayoría”. “Creo que Keanu está excelente en la película y que es un actor con el que la gente quiere hablar”, comenta Whitaker. “El público puede recorrer algunos lugares verdaderamente tenebrosos con Keanu porque él es la clase de actor a la que uno puede seguir y en la que puede confiar”. (3) Hugh Laurie “Le he visto ascender en la escala salarial durante veinte años abusando, intimidando y haciendo chantaje. Sé exactamente quién es usted”. -Capitán Biggs
La existencia del capitán de Asuntos Internos James Biggs se desarrolla entre el mundo del brazo corporativo de la policía y el de los agentes que hacen su ronda patrullando las calles. Cuando Biggs aparece por primera vez en la película, da la impresión de ser engañoso, embustero y decidido a obtener pruebas contra Ludlow, Wander y “Ad Vice”. Su personaje plantea algunas preguntas sagaces sobre los distintos tonos de gris que componen el paisaje moral de estos hombres. Por medio de numerosas indagaciones y de una presión implacable, Biggs interviene en el despertar de Ludlow desde la periferia. “Biggs fue uno de los personajes de la película más difíciles de desarrollar”, recuerda David Ayer. “Es alguien muy consciente de sí mismo que comprende las zonas grises de este mundo, pero que no es un cínico y sí, en última instancia, muy inteligente y pragmático”. Para dar vida al personaje del capitán Biggs, los realizadores buscaron al galardonado y consumado actor británico Hugh Laurie. Laurie, que ha logrado un gran éxito en todo el país interpretando el papel protagonista de la popular serie televisiva “House”, se interesó tanto en el material como en la idea de salirse del tipo de papel en el que se encuentra cómodo. “Era muy difícil rechazar una oferta como esta película” asegura. “Training day me entusiasmó completamente y David es un guionista y director muy brillante e interesante; y siempre me ha gustado James Ellroy. Era una oportunidad maravillosa de trabajar con este fabuloso reparto en un ambiente, para mí, muy distinto. Después de haber interpretado un personaje durante los últimos tres años, poder hacer algo diferente era simplemente maravilloso”. Laurie también se sintió intrigado por las preguntas que la película plantea sobre la moralidad y la ética de los hombres que optan por tratar con los lados más oscuros de la naturaleza humana. ”El relato tiene muchas sombras y muchos personajes con fines poco claros, sin que sea fácil encasillarlos dentro de una escala moral. Se enmarca en la realidad de que Los Ángeles se presta a una cierta indefinición moral”. Si bien Biggs busca sin duda promover su propia carrera, se convierte en un improbable paladín de la moralidad de Ludlow. “Mientras que Ludlow le es útil a Biggs, Ludlow es el alma por la que combaten estas fuerzas”, argumenta Laurie. “A pesar de la violencia y de la sórdida naturaleza de la forma como se gana la vida, Ludlow es, no obstante, un personaje ingenuo e inocente. Es el alma por la que combatimos”. David Ayer quedó impresionado por la interpretación de Laurie y por su dedicación a las complejidades del personaje. “Hugh investigó lo suyo y fue capaz de comprender la política y la psicología del departamento. He aquí un actor británico de la escuela europea de interpretación que fue verdaderamente capaz de transformarse en un capitán del Cuerpo de Policía de Los Ángeles”.
Crónica de una película
GÉNESIS Enrique Fernández: "En la época, yo debía tener diez años, Beto era un amable vecino que pasaba cada mañana a saludarnos. Siempre llevaba la camisa por fuera de los pantalones, y sus delgadas piernas parecían palillos cuando se montaba en una vieja bicicleta que daba la impresión de caerse a trozos. Beto vivía con su suegra, doña Leocadia, una piadosa anciana que quería mucho a mi madre. Para demostrar su afecto, le ofreció su dentadura postiza, que ella ya no usaba. Dos días después, mi madre se la devolvió con mil disculpas. Más tarde me confesó que la había probado, pero que no le valía. Durante 36 años, mi padre, que falleció en 1964, escribió letras de canciones para una orquesta de carnaval. Esas canciones me ayudaron a familiarizarme con todos esos personajes. Fueron parte de mi infancia y ahora son parte de la película. Conozco sus alegrías y sus tristezas. Los veo cada vez que voy a mi pueblo. Los conozco muy bien y los quiero."
César Charlone: "En mi calidad de uruguayo que vive en Brasil, todos los temas que me vienen a la mente cuando pienso en cine tienen que ver con mi país natal. El primer documental que dirigí y produje en 1978 contaba con un presupuesto muy reducido y se rodó en Uruguay, Brasil, Argentina y Chile. Después de pasarme diez años dirigiendo anuncios, videoclips y series de televisión, tenía ganas de dirigir un largometraje. Había apuntado un par de ideas en el papel relacionadas con mi pasado uruguayo, pero no era fácil encontrar financiación en Brasil. Cuando Elena Roux, la productora, y Enrique hablaron conmigo, me pareció un buen comienzo. Leí el guión y descubrí que no solo la historia era maravillosa con personajes conmovedores, sino que podría hacer realidad el viejo sueño de rodar en mi país. Melo tiene algo muy especial. Es una ciudad uruguaya muy influida por Brasil. La mayoría de los habitantes de Melo hablan portugués, ven la tele brasileña y compran objetos brasileños. No me costó mucho sentirme como en casa."
Un trabajo a cuatro manos César Charlone: "Trabajamos mucho juntos antes del rodaje. Reescribimos la versión final, buscamos decorados... Me encantaba la historia de Enrique y estaba decidido a plasmarla en la gran pantalla con la mayor fidelidad posible. Por eso preparé un plan de rodaje muy detallado que revisamos juntos antes de dárselo al resto del equipo. Así, durante el rodaje, todos sabían qué debían hacer y por qué. Fue un rodaje simple y agradable. Además, Fernando Meirelles, el realizador de Ciudad de Dios y El jardinero fiel, con el que estaba trabajando, leyó el guión, se entusiasmó con el proyecto y decidió coproducirlo con nuestra empresa 02 Filmes en Brasil."
Enrique Fernández: "Preparamos un plan de rodaje muy preciso y ensayamos antes de rodar. Hablamos mucho de los personajes, de las situaciones, de las dificultades de la película, de cómo debía ser filmada. El rodaje fue muy bien. Los dos nos ocupamos de la dirección de los actores. César se encargó sobre todo del aspecto visual, mientras yo me aseguraba de seguir fieles al guión."
Un reparto original Enrique Fernández: "El reparto está compuesto por actores profesionales y no profesionales. Los intérpretes profesionales son César Troncoso (Beto), Virginia Méndez (Carmen, la madre) y Nelson Lence (Meleyo, el aduanero). También están Hugo Blandamuro (el camarero) y Carlos Lissardy (Ches el loco). Los demás son habitantes de Melo. Ensayamos durante varias semanas para que se sintieran seguros y obtuvieran la agilidad y la concentración requeridas ante la cámara. Trabajamos con estupendos profesionales y actores no profesionales que demostraron ser grandes intérpretes, pero que nunca habían visto una cámara. Fue maravilloso verlos rodar escenas donde era imposible distinguir al actor profesional del no profesional."
César Charlone: "Enrique siempre había pensado en César Troncoso y en Virginia Méndez, dos conocidos actores uruguayos, pero el reparto era muy amplio y no estábamos seguros de que mezclarlos con actores no profesionales diera los resultados deseados. Sobre todo si tenemos en cuenta que trabajan mayormente en el teatro. Era la segunda vez que trabajaba con Chris Duurvoort, el supervisor de ensayos. Es capaz de convertir un reparto dispar en homogéneo. Christian se desplazó varias veces a Melo para trabajar los personajes con los actores y enseñarles detalles, por ejemplo, cómo parecer un verdadero ciclista. Si vemos a Beto y a Valvulina, o a Carmen y a Silvia, cuesta decir cuál es el actor o actriz profesional."
Tragedia en tres actos
Cosas que perdimos en el fuego es la primera película producida en Estados Unidos de la directora danesa Susanne Bier, conocida por sus largometrajes basados en personajes muy humanos, entre las que destacaremos Después de la boda, nominada a un Oscar en 2006, y dos películas anteriores, Te quiero para siempre (2002) y Brodre/Hermanos (2004), nominada a 11 premios de la Academia de Cine Europeo. La directora prefiere filmar historias directas de mucha fuerza emocional basadas en acontecimientos inesperados que conectan con un público cada vez más numeroso. El oscarizado director Sam Mendes está entre los que conocen y admiran las películas de Susanne Bier. Después del éxito de American Beauty y Camino a la perdición, la productora de Sam Mendes empezó a recibir los mejores guiones de Hollywood. Uno de los proyectos que más le interesó fue Cosas que perdimos en el fuego, escrito por Allan Loeb. “Es una historia conmovedora y original”, dice el productor. “No abundan los guiones que, por una parte, cuentan una historia personal acerca de la relación entre dos seres humanos y que, por otra parte, tienen la amplitud necesaria para convertirse en una película para la gran pantalla y no en un telefilm”.
Amor (hinchable)
Lars Lindstrom (Ryan Gosling) simplemente sobrevive. Lars sigue viviendo en el pequeño pueblo rural donde se crió, donde tiene un trabajo anodino de oficinista y ocupa el garaje reconvertido de la casa en la que nació, en la que ahora viven su hermano Gus (Paul Schneider) y su cuñada Karin (Emily Mortimer). Vive casi completamente aislado, evita todo contacto con los demás seres humanos- su vida social se reduce, literalmente, a la asistencia semanal a misa y a los escasos intercambios con sus compañeros de cubículo en el trabajo. Se niega a aceptar cualquier convite de Karin y Gus y huye espantado de los flagrantes intentos de seducción de Margo (Kelli Garner), una compañera de trabajo. En palabras del director Craig Gillespie, “Ha estado viviendo en una especie de limbo, pasando tan desapercibido que prácticamente se ha convertido en un hombre invisible.” Aunque Gus está acostumbrado a la conducta de Lars, Karin intenta por todos los medios incluirlo en la rutina familiar, darle conversación e interactuar con él, sobre todo ahora que su pequeña familia está a punto de crecer, ya que Karin está esperando su primer hijo.
Dos estrellas... en el mar
Andy Tennant había estado buscando explorar un nuevo terreno en la pantalla grande cuando recibió un primer borrador del guión Como locos... a por el oro, de John Claflin & Daniel Zelman. “Leí el material y pensé que realmente tenía una buena base, sin juego de palabras, y que era una oportunidad de oro para hacer una película verdaderamente importante y divertida con todos los elementos que a mí me gustaría ver en una comedia de aventuras”, recuerda Tennant. “Supe que podía aportar mucho, así que me embarqué en una nueva versión de siete meses durante el cual, admito, me volví un poco obsesivo. Realicé bastante investigación sobre la leyenda de la Dote de la Reina, cosas que habían ocurrido con auténticos buscadores de tesoros y lo que habían encontrado”.
El productor Bernie Goldmann comenta: “Cuando leí el guión, pensé que era un gran concepto para una película romántica de aventuras. Siempre había encontrado las películas de Andy sumamente entretenidas, así que le envié el guión. Sabía que sería un gran regalo”. El productor Donald De Line añade: “Si te fijas en el conjunto de su trabajo verás que Andy, sin duda, es estupendo con la comedia. Posee un instinto increíble para saber dónde está el humor y el corazón y siente un gran cariño por sus personajes. Sabía que lo que hace tan brillantemente con las relaciones, al combinarlas con una gran historia de aventuras, la convertiría en una popular comedia romántica de acción ”. Tennant señala: “Creo que parte del motivo por lo que me atrajo esta historia en particular es porque la búsqueda del tesoro no es solo por el dinero. Tiene que ver con esa pareja que se enamora mientras comparten la pasión por esa búsqueda y su descubrimiento. Pero en el mundo real quizá eso no fuera suficiente, así que, cuando les conocemos, están a punto de divorciarse. Para ellos, el tesoro pueda que sea un medio para volver a unirse. Y eso, para mí, era divertido”. Para interpretar los papeles principales de Ben “Finn” Finnegan y su ahora ex esposa, Tess, los cineastas volvieron a reunir a Matthew McConaughey y Kate Hudson, cuya probada química ya ganó los corazones de los espectadores en el éxito de 2003, Cómo Perder a un Chico en 10 Días.
“Fue estupendo participar en esto y además pisar terreno conocido en cuanto a Matthew,” afirma Hudson. “Siento una total debilidad por él. Es muy atractivo; no hay nada fuera de sitio en su cuerpo. Podemos hacer el tonto y pasárnoslo en grande, pero también sabemos cómo sacarnos partido a la perfección. Ambos tenemos una naturaleza un poco competitiva y nos picamos uno al otro, lo que se ajusta a nuestros caracteres y a la dinámica de nuestra relación”. “Kate y yo pelemos y flirteamos la mar de bien”, dice McConaughey sonriendo. “La química tiene que ver más con lo qué ocurre entre líneas que lo qué pasa realmente en ellas y, por alguna razón, parece que funciona entre nosotros. Kate tiene una chispa especial por lo que es muy fácil sentirte atraído. También es muy aguda y con un sentido del humor muy oportuno, lo que hace que se mantenga radiante, pero un tanto incisiva”. “Necesitábamos a una pareja que pudiera reñir; y debían de estar bastante equilibrados para que se supiera que cada uno de ellos podía hacerlo tan bien como el otro”, comenta Tennant. “Matthew y Kate tienen los dos tanto talento y se fusionan con sus personajes tan profundamente, que hubo chispa inmediatamente. Y debido a su anterior colaboración, el público ya sabe cómo son cuando se enamoran, así que podíamos saltarnos el matrimonio y pasar directo al divorcio”, dice riendo.
De hecho, la historia empieza el mismísimo día en que su divorcio está en su fase final. Pero mientras Tess está hundida emocionalmente, convenciéndose a sí misma que está hacienda lo correcto, Finn tiene que hacer frente a un hundimiento de otra índole. Bajo el agua e inconsciente del desastre que se está desarrollando en la superficie, Finn se las ha arreglado para hundir su barca y, con ella, cualquier esperanza de regresar a tiempo a la ciudad para tratar de detener a Tess y que no termine con su matrimonio de una vez por todas. Pero aparte del desastre, emerge una brusca esperanza—un trozo de plato que demuestra que está más cerca que nunca de encontrar la Dote de la Reina, una fortuna nunca revelada en oro y joyas que ha tenido desconcertado a los buscadores de tesoros durante casi 300 años. McConaughey dice: “Y así era, el mismo día en que su mujer se divorciaba de él, Finn encuentra una nueva pista—una gran pista— sobre el tesoro que han estado buscando durante los últimos ocho años. Eso demuestra que el tesoro está allí y, si puede mostrarle a ella de que después de todo están en el camino correcto, tal vez ella le de otra oportunidad y no seguirá con el divorcio. Finn tiene el don de ponerte de su lado con su forma de hablar, y la suerte—o ¿es el destino?— está más veces de su lado que no. Si te mantienes a su lado el tiempo suficiente, estarás bien… solo que no estás muy seguro a dónde va o cómo demonios va a llegar. Lo fastidia todo constantemente, pero en parte es por lo que Tess se enamoró de él, creo”. Y da la casualidad que el instinto de Finn era bueno. La pareja se había enamorado mientras investigaban la Dote de la Reina y se pasaron todo su matrimonio buscándolo. Ahora que puede que estén a punto de desentrañar por fin el misterio, Tess va a retirarse de la búsqueda. Por más que lo intente, Tess no puede ignorar la importancia del último descubrimiento de Finn más de lo que puede resistirse a Finn.
“Te da la sensación de que Finn vuelve loca a Tess”, admite Hudson. “Ella le ama, pero él es absolutamente irresponsable y no piensa antes de actuar y a Tess le resulta difícil confiar en su buen juicio. A medida que conoces su relación, entiendes por qué existe esa especie de: ‘Te quiero, pero no puedo estar cerca de ti, pero tampoco puedo alejarme de ti’, ese tipo de sentimiento. Naturalmente, cuando al fin Tess da el paso para acabar con su matrimonio, Finn se las apaña para regresar a su vida y continúa volviéndola loca”, dice riendo.
¿Qué es el amor?
Como todo el mundo sabe, el amor es algo que:
- Nace sin que uno se dé cuenta (aunque nunca hayas intercambiado una palabra con la otra persona). - Ataca los nervios (incluso cuando ya te has acostado con alguien). - Marca un antes y un después (porque una segunda cita puede suponer el inicio de algo más o el inicio del fin). - Implica conocer a más personas (incluidos, entre ellos, tu posible familia política). - Cambia la vida (sobre todo cuando decides compartirla con esa persona). - Se vuelve monótono (y es entonces cuando hay que salir de la rutina, como sea). - Se acaba (y duele; siempre duele). - A veces vuelve a llevarnos a una persona a la que dejamos escapar (porque el hombre es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra, ¿no?).
Reflexiones al aire de un gran director
"Cuando leí el relato de Yiyun Li Mil años de buenos deseos me quedé fascinado con la idea de que el lenguaje pueda actuar como agente liberador y represor de la expresión de un individuo. En cierta medida puedo sentirme identificado con Yilan, una divorciada de la zona central de Estados Unidos cuyo marido chino regresa a Pekín mientras que ella se queda y continúa su aventura amorosa con un rumano casado (que en la película se ha cambiado por un ruso). Hablando con su padre que ha ido a visitarla desde Pekín, Yilan dice que el hecho de hablar inglés la ha liberado: “Baba, si te educan en una lengua que jamás se utiliza para expresar sentimientos, te será fácil adoptar otra y hablar más en ella. Te convertirá en una persona distinta.”
"Pero su padre nota que Yilan habla muy poco, especialmente con él. Aunque se sienta libre dentro de la cultura angloparlante, no le transmite libertad. Se ha cerrado las puertas a toda opción de realización personal con la excesiva libertad alcanzada en Estados Unidos. Ahora es libre para amar a otro hombre, libre para divorciarse, libre para mantenerse ella misma, libre para estar terriblemente sola. Yo quise explorar esta paradoja."
"La soledad de Yilan es obvia y queda patente desde el momento en que su padre se reúne con ella. Su vivienda es oscura, árida y carece de detalles que pongan de relieve una vida plena. Cuando el señor Shi fisgonea en el dormitorio de su hija mientras ella está trabajando y ve todos los objetos que hay en la cama, se da cuenta que sus noches están pobladas de cosas y no de relaciones íntimas. Mientras están cenando suena el teléfono y Yilan corre a contestar pero queda desilusionada al comprobar que se trata de una teleoperadora. Que su vida amorosa no le pertenezca sino que esté dirigida por otros es un misterio que el señor Shi se siente obligado a resolver."
"Ésa es la estructura básica que he construido para esta película: quería que fuera un misterio que Shi trata de aclarar. Al llegar a un país extraño para ver a una hija extraña (porque no se han visto desde hace muchos años), Shi empieza a levantar una a una las distintas capas de la vida de su hija como si se tratase de las muñecas rusas de su tocador. Puede que los padres chinos se sientan con más derecho que los padres occidentales a investigar la vida privada de sus hijos adultos para ayudarles a “recuperarse” de una mala situación. Tras conocer el fin del matrimonio de su hija y haber asumido de inmediato que es una mujer abandonada que necesita ayuda, se dedica a husmear en los recovecos de su vida para desentrañar la verdad. Una verdad que al ser revelada también resolverá misterios de su propio pasado. Ambos se verán abocados a enfrentarse con un ayer que preferirían haber mantenido enterrado. Sus historias están íntima e irrevocablemente entretejidas puesto que son padre e hija y ninguno de ellos puede escapar al legado de la China de la Revolución Cultural."
Tortura contemporánea
Rendición extraordinaria El guionista Kelley Sane decidió escribir Expediente Anwar tras mantener una animada conversación con su amigo Mark Martin sobre una política prácticamente desconocida del gobierno de Estados Unidos, la «rendición extraordinaria»; ésta permite el secuestro de ciudadanos extranjeros considerados como una amenaza para la seguridad nacional para detenerlos e interrogarlos en prisiones secretas de otros países.
Sane recuerda: «Mark Martin, co-productor de la película, y yo hablábamos de la posibilidad de que se cometan abusos y de que esto parecía no seguir la línea del ideal americano. Mark me sugirió que escribiera un guión. Tuve que meditarlo bien, porque ver que secuestran a alguien y lo torturan no es algo que parezca forzosamente tan interesante desde el punto de vista cinematográfico. Pensándolo con más detenimiento, lo que realmente me llamó la atención fue el hecho de que, si alguien desapareciera, su familia no tendría ni idea de lo que había ocurrido. Miles de personas desaparecen cada año en este país por diversos motivos; podía imaginarme la pesadilla de no saber dónde está uno de tus seres queridos.»
El productor, Steve Golin, vio el guión por primera vez en una fase temprana. «David Kanter y Keith Redman, con los que trabajé en Anonymous Content, dieron con el guión junto a Mark Martin, que en aquel momento estaba trabajando para mi compañía», afirma Golin. «Trabajamos en él durante un año aproximadamente. Fue un verdadero trabajo en equipo. Lo que me impresionó sobre el guión era que no caía en un sermoneo excesivo y que realmente intentaba explorar la «rendición extraordinaria» y los efectos que ésta tiene en cada persona.
«Creo que, básicamente, muestra dos caras de la historia,» añade Golin. «En mi opinión, la mayoría de nosotros está dispuesta a aceptar que si hay un peligro inminente que va a afectar a las vidas de miles de personas, una manera de hacer que alguien transmita la información que posee es la práctica de una coacción convincente. Por otro lado, en casos de guerra y emergencias, el gobierno de Estados Unidos ha dejado de lado a lo largo de su historia las libertades civiles. Creo que al explorar este asunto estamos dejando que se sepa que la Convención de Ginebra tiene un porqué y que existen leyes que deben ser respetadas ya que, a largo plazo, eso es lo que hace que la sociedad funcione. También estoy convencido de que al abandonar todo esto nos adentramos en caminos oscuros.»
El director perfecto Cuando llegó el momento de buscar un director, Golin pensó inmediatamente en Gavin Hood, que en 2005 ganó el Premio Oscar® de la Academia a la mejor película de habla no inglesa por Tsotsi, un drama cautivador en el que se narran seis días de la vida del despiadado líder de una banda de jóvenes del distrito de Soweto, perteneciente a Johannesburgo, que termina cuidando a un bebé raptado por accidente durante el robo de un coche.
«Gavin es de Sudáfrica, así que ha vivido muchísimas situaciones políticas verdaderamente interesantes,» afirma Golin. «Ha crecido en un entorno político, mucho más profundo que el que ha rodeado a numerosos americanos. Pensé que mostraría una gran sensibilidad hacia el material. Ha tenido amigos a los que han raptado y que han desaparecido sin dejar ni rastro. Supuse que sentiría afinidad por este material y que conectaría con él.»
En ese momento, Hood estaba buscando un material especial con el que trabajar después de Tsotsi y entrar en el cine estadounidense.
«Cuando busco un proyecto pienso en las dos cosas que creo que debe conseguir una buena película,» afirma Hood. «En primer lugar, debe entretener y hacer que uno esté encantado y emocionado de estar en su asiento. Pero también creo que las grandes películas te dejan algo de lo que hablar después. Son las películas con las que, después de verlas, tienes una buena conversación, un debate, incluso una discusión con tus amigos o tu pareja. Eso es lo que resultó tan maravilloso al leer el guión de Expediente Anwar. Me enganchó desde el principio, y me pareció una buena película de suspense con la que me preguntaba constantemente “¿qué va a ocurrir después?” Sin embargo, al mismo tiempo, estaba haciendo que surgieran preguntas profundas y difíciles a las que no era fácil responder. Recuerdo terminar el guión y quedarme sentado durante días pensando, ”¿qué opinión tengo yo sobre todo esto?” Se trataba de una historia emocionante, pero también me dejó muchas cosas en las que pensar.»
El productor Bill Todman, Jr. estaba encantado de contar con Hood como director; «Gavin aporta una capacidad innata para contar una historia sin tener que recurrir a ninguna artimaña. Tsotsi estaba subtitulada de principio a fin. Y, literalmente, se podía quitar el sonido y seguir la historia. Elegirle como director fue algo natura